Pierre Hébert

Il y quelques jours, je suis arrivé au no 100 de ma série de dessins Tropismes dédiée à la mémoire de l’écrivaine française Nathalie Sarraute. C’était un objectif que d’en faire une série aussi longue, avec l’intention après le centième dessin de passer à un format de feuille plus grand. Toute cette série (ainsi que la plupart des séries précédentes - Mouches, Silence, Nuit, Petits dessins…) a été faites sur des feuilles 22.9 x 30.5 cm. J’envisage maintenant de continuer sur des feuilles 27.9 x 35.5 pour assez rapidement passer à un format cm 45.7 x 61 cm.

J’ai déjà mentionné que la série Tropismes va mener à une performance du même titre. Je me suis en effet engagé à la présenter en juin prochain à Montréal avec la clarinettiste Lori Freedman et à Guimarães au Portugal avec le harpiste Eduardo Raon, deux musiciens qui ont été associés à la performance «49 flies». Mais ce qu’il y a de particulier en ce moment, c’est que mon activité de dessin («dessin» au sens le plus large, car ce que je fais est de plus en plus «painterly» comme on dit en anglais) prenne une place vraiment indépendante par rapport à mes autres activités de cinéma et de performance et qu’elle se poursuive pour elle-même en ses propres termes, ce qui ne m’était jamais arrivé.

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La deuxième moitié de l’année a été pleine de rebondissements et de situations inattendues Côté production, plusieurs projets sont arrivés à terme (ce n’est pas de ce côté, qu’il y a eu de l’inattendu).

La performance «49 Flies» atteint une sorte d’accomplissement avec la présentation en octobre, au Festival du Nouveau Cinéma, d’une version où Lori Freedman a joué de la clarinette basse accompagnée d’une trame sonore incluant les mouches, Stefan Smulovitz au violon alto, Mazen Kerbaj à la trompette, Massimo Ceccarelli à la contrebasse et Eduardo Raon à la harpe, tous quatre enregistrés séparément à Vancouver, Beyrouth, Rome et Ljubljana au cours de quatre performances différentes. Il y avait un public nombreux (et jeune) et ça a été un vrai succès. Cela pourrait avoir mis un point final à ce projet car finalement j’aurai joué avec Lori dans un contexte intéressant (Lori est la première à qui j’ai proposé de jouer avec les mouches et nous avions fait une répétition dès l’automne 2010, je me devais de jouer avec elle en public au moins une fois) et le processus d’accumulation de pistes avec des instrumentistes différents est arrivé à un aboutissement avec cette prestation. Mais il y aura des prolongements, je présenterai «49 Flies» en solo (sauf avis contraire) à Lisbonne au festival d’animation Monstra, au mois de mars, et peut-être à Bologne en juin. Et il reste aussi à évaluer la façon de concevoir une version film.

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1er juin. Dernier jour à Vienne, dernier jour d’un voyage extrêmement stimulant où tout à bien été. Demain je rentre à la maison.

Le tout s’est terminé en grandeur avec le bon succès de la performance avec Andrea Martignoni lundi soir. La superbe église Stadtkirche était pleine à craquer. Il semblait que, suite à la présentation solo fort appréciée de «49 Flies» à l’Académie des Beaux-Arts jeudi dernier, c’était la chose à voir ce soir là. Le climat était survolté. Ce fut une sorte de triomphe avec une ovation de 2 minutes (inutile de dire que cela ne m’est pas arrivé si souvent). Le lendemain, tout le monde ne parlait que de ça. Très réconfortant pour l’artiste.

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Après une semaine au Liban, je suis maintenant à Paris. Samedi dernier j’ai présenté «Seule la main…» en arabe et «49 Flies» en duo avec le dessinateur trompettiste Mazen Kerbash. La soirée a été entaché par le fait que mon ordi a déconné juste avant la performance et que j’ai dû tout redémarrer et refaire les réglages, ce qui a retardé la présentation d’une bonne demi-heure. Cela m’a évidemment mis dans un grand état de stress et comme il était tard, une partie des spectateurs est partie après la première pièce. Mais malgré ce pépin, la présentation a bien été. J’ai réussi à retrouver mon calme et Mazen a été formidable avec les mouches de «49 Flies». Une fois de plus cela m’a confirmé que c’était une bonne idée d’inviter, quand c’est possible, des instrumentistes pour improviser avec les mouches. Je vais voir la suite à Rome et à Ljubljana. L’idée d’un orchestre virtuel de tout ceux qui auront joué avec les mouches devient de plus en plus plausible.

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Période de travail intense depuis la dernière entrée de blog qui date de plus de deux mois.

Premièrement, je me suis plongé dans le film, que j’avais d’abord appelé Géologie, fait à partir d’une série de mes dessins gris du printemps dernier et de l’image d’une paroi rocheuse tournée à Rivière-au-Tonnerre, sur la basse Côte nord, lorsque je préparais le travail pour le spectacle «Nitshisseniten e tshissenitamin» de Chloé Sainte-Marie. L’image de la paroi rocheuse a pris de plus en plus de place dans le projet que j’ai fini par titrer «Rivière au Tonnerre», avec comme sous-titre «fissures». J’ai également décidé de l’intégrer dans la série «Lieux et monuments» en lui donnant le no 4. Ceci peut paraître étrange car pour l’instant, il n’existe qu’un no 1, «Praha-Florenc». J’ai procédé ainsi car je veux donner à la série «Lieux et monuments» l’ampleur la plus large et pouvoir aller jusqu’à y inclure des travaux à partir de lieux naturels.

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Lyon, 6 février 2011. - La semaine dernière à Lyon, tournage sur la place Carnot près de la Gare Perrache en prévision d’une autre capsule «Lieux et monuments». En venant à Lyon, je pensais plutôt tourner à la gare Saint-Paul que j’avais vue il y a une dizaine d’année lors d’un court séjour dans cette ville. J’avais le souvenir d’un lieu délabré et abandonné, survivance d’une époque révolue, qui en conséquence semblait convenir à mon projet. Je suis allé me promener de ce côté mardi dernier et j’ai été déçu. Ou bien j’étais trompé par une mémoire défaillante, ou bien le lieu avait changé….bref je trouvais quelque chose d’assez ordinaire sans le potentiel évocateur que je recherche. J’ai même pensé que ce n’était pas la bonne gare et j’ai arpenté en vain les rues du vieux Lyon en descendant jusqu’à Perrache à la recherche de cette image du passé. C’est ainsi que je suis arrivé par hasard sur la place Carnot.

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Aujourd’hui, visite du Musée des Beaux-Arts de Lyon, visite décidée surtout pour voir les grandes fresques de Puvis de Chavannes dont j’ignorais qu’il était un peintre lyonnais. Mais finalement, j’ai visité le musée au complet, et c’est avec une réelle émotion que je suis allé des antiquités égyptiennes jusqu’aux œuvres du 20ième siècle, avec devant les yeux un condensé du parcours iconographique de l’humanité. On trouve la possibilité d’un tel parcours dans nombre de musées en Europe, qui n’est pas vraiment possible à Montréal étant donné la pauvreté de nos musées.

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Début de l’année 2011, c’est le temps de faire un peu le point. Au cours des derniers mois de 2010, mon travail a pris une tournure un peu inattendue en ce sens que le projet «49 Flies» s’est mis à occuper une place de plus en plus importante. Initialement, le projet de performance a été le résultat d’un événement tout à fait fortuit, du fait que Claude Beaugrand m’a donné ces enregistrements de mouches emprisonnées entre les deux vitres d’une fenêtre double. Autrement, je ne crois pas que l’idée me serait venue de travailler sur les «mouches». Les choses sont allées plus loin suite à l’intérêt exprimé par le Vidéographe pour une nouvelle performance destinée à être vidéostreamée dans le but de faire la promotion de mes films.

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Aujourd’hui je quitte Banja Luka pour Berlin. C’est un petit festival, jeune, avec peu de ressources (c’est un coin de l’Europe qui n’est pas particulièrement riche), mais comme souvent dans ces cas là, la bonne volonté et la gentillesse dominent, ce qui est inestimable. Les rapports avec les collègues du jury ont été harmonieux et amicaux. Bien qu’il ait fait plutôt mauvais temps, ce fut une semaine très agréable. Merci à Goran, Dagrana et tous les autres !

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C’est une nouvelle pièce en développement. Elle a un double point de départ.

Premièrement, cela se situe dans la continuité de travaux d’ateliers et de performances, intitulés «Exercices d’animation», que j’ai commencés en 2009 (qui ont fait l’objet de plusieurs présentations publiques et ont donné le film «Triptyque»). Ce nouveau travail conserve le même réglage de mon logiciel de performance et permet le même style d’improvisation duquel résulte une approche non linéaire de l’animation. La performance est basée sur une structure de courts cycles imbriqués les uns dans les autres, au sein desquels des images sont enregistrées pour un court instant et sont rapidement effacées pour être constamment remplacées par de nouveaux dessins. Ces dessins sont faits davantage en fonction du processus combinatoire en cours qu’en fonction d’un quelconque développement linéaire, comme c’est habituellement le cas en animation. Trois boucles de longueurs différentes sont superposées et chacune d’elles est altérée par des changements de vitesse, de dimension, de direction des mouvements animés ainsi que d’ordre des images, le tout étant manipulé en temps réel parallèlement à la création des images. Il en résulte une expérience du «temps» très particulière, à la fois statique et vertigineuse.

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Je ne sais pas si un jour je me déciderai de faire un film dans lequel il n’y ait pas au moins quelques petites interventions animées sur les images de prise de vues réelles, mais dans le cas de Praha-Florenc, je n’ai pas pu résister. J’imagine qu’à un certain niveau c’est pour moi une question d’identité. Ce qui ne veut pas dire que Praha-Florenc se qualifiera comme «film d’animation» dans les festivals spécialisés. Rien de moins sûr.

Les interventions sont assez circonscrites à certaines sections bien précises du film mais elles jouent un rôle assez important au moment du climax du film en ce sens qu’elles ont permis de faire émerger «le sens» du film de façon un peu plus nette. Pour la première fois, j’ai travaillé de façon complètement numérique en utilisant une tablette Cintiq qui m’a permis de contourner la difficulté que j’avais à dessiner sans voir le dessin en cours et ma main du même regard. Devoir regarder le dessin sur l’écran d’ordinateur sans voir ma main (comme cela se produit avec une tablette Wacom normale) brisais ma coordination et me mettais dans une situation que je trouvais trop abstraite. L’expérience a été concluante et je vais poursuivre un nouveau travail avec les mêmes outils.

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Praha Florenc, première phase.

Le 21 juin j’ai commencé à travailler sur mon nouveau film «Praha-Florenc», qui sera donc le premier d’une série de films sur des lieux à travers le monde et qui mènera peut-être à un long métrage regroupant une dizaine de telles capsules faites à partir de tournages dans différentes parties du monde. À date je dispose, outre le tournage fait à Prague en mai dernier, de trois autres éléments, un tournage fait le 16 novembre 2003 au temple Senjo Ji, dans le quartier Asakusa à Tokyo, un tournage fait à Faro au Portugal, entre le7 et le 9 décembre 2005, du passage de chemin de fer à niveau qui barre l’entrée du port, et finalement, un tournage d’une cour d’école à Buenos Aires, vue en plongée à partir de ma chambre d’hôtel , fait le 9 avril 2008. Tous ces éléments sont pour l’instant restés intouchés car je ne savais pas encore tout à fait de quelle façon les aborder. Sauf pour le tournage de Tokyo qui s’est produit de façon assez inattendue et qui est en mouvement (une sorte de promenade à travers le temple et le marché attenant), tous ces tournages sont des cadrages fixes.

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Il y a longtemps que je n’ai pas écrit ici. Je fais donc brièvement de point sur les presque quatre mois qui se sont écoulés depuis la dernière entrée.

Il faut dire que la période a été marquée par une grande indécision quant à ce à quoi je devrais consacrer mes énergies, plus particulièrement quel film je devrais faire. À ne pas me décider ainsi, j’ai raté les échéances pour les demandes de bourse de production au Conseil des arts et au Conseil des arts et des lettres du Québec. J’ai ainsi repoussé à plus tard l’idée de faire un film avec les images tournées à Mingan l’été dernier (ce qui aurait permis de donner une sorte de suite à Herqueville dans la perspective d’une éventuelle trilogie sur les rapports paysage et soif d’énergie). J’ai également hésité quant à la possibilité de travailler à partir des images que j’ai tournées au Japon, à Faro (Portugal) et à Buenos Aires (sur le thème des «lieux» qui reste toujours une piste ouverte pour moi). Pourtant je n’ai pas d’engagement pour des performances avant le mois d’octobre prochain, ce qui me donne une période de temps continue pour me concentrer sur un nouveau film et ainsi avoir quelque chose de prêt pour le Festival du nouveau cinéma. Mais j’ai laissé le temps filer. Le fait est, et peut-être est-ce une question d’âge, que je sens la nécessité de m’engager dans quelque chose qui m’apparaisse suffisamment «important». Comment juger de cela ?

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Je n’arrive pas à m’écarter de l’esprit l’idée que j’ai réalisé cet accompagnement vidéo du spectacle de Chloé Sainte-Marie comme si c’était un film, un authentique film allusif de 100 minutes. Ce qui recoupe mon obsession de la dernière année à savoir de prétendre que je fais plus que jamais du cinéma bien que mon travail se développe dans la marge, totalement à l’écart des cadres du «cinéma» au sens classique du terme. C’était le cas avec les performances Exercices d’animation, avec l’installation et l’ensemble du projet Seule la main… Toute ces entreprises tentent de répondre au problème de comment maintenir le «cinéma» comme idée centrale dans le radicalement multiple, dans une constellation fragmentée d’images.

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J’ai eu cette semaine une mésaventure très troublante concernant la mise en ligne d’un extrait de mon film «Triptyque» sur YouTube. La trame musicale de ce clip a été vérifiée par un robot numérique qui, de façon totalement surprenante, a établi une corrélation entre un segment de la musique de Bob Ostertag et une musique non identifiée dont les droits seraient détenus par WMG (Warner Music Group). Il se trouve que je suis certain que Bob Ostertag est l’auteur de cette musique et j’ai la preuve qu’il m’a donné l’autorisation de l’utiliser pour ce film. Je sais aussi que la musique de Bob en général et cette pièce en particulier («DJ of the Month», une entreprise musicale assez extrême, on peut le télécharger gratuitement sur le site de Bob Ostertag - http://bobostertag.com/music-recordings.htm) n’a vraiment rien à voir avec le genre de musique produite par Warner. C’est surréaliste que de même imaginer qu’il y ait là un lien. Cependant un robot a tranché et le clip a été sanctionné sans autre forme de procès, il est présentement bloqué pour l’ensemble du monde. Heureusement le blocage ne semble pas totalement effectif et certaines personnes ont tout de même pu visionner le clip.

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Je viens tout juste de terminer le travail de vidéo et d’animation pour le spectacle Nitshisseniten E Tshissenitamin (Je sais que tu sais) de Chloé Sainte-Marie, après plus d’un mois de travail intense (12 à 14 heures par jour). La première Montréalaise a eu lieu la semaine dernière au Théâtre du Gesu (deux représentations, mercredi et vendredi) et a reçu un accueil enthousiaste du public et de la critique. Mais hier je travaillais encore à modifier les DVD’s en vue de la première à Québec demain soir. Je suis content et épuisé de ce travail (ces jours-ci l’ombre de la grippe plane sur moi). Ce fut une aventure profondément intéressante, entre autres parce qu’elle s’est déroulée de façon aussi concentrée, ce qui dans l’absolu apparaissait comme un problème et qui n’a pas manqué de tout de même poser quelques problèmes. Mais tout est bien qui finit bien.

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8ième Sommets du cinéma d’animation à la Cinémathèque québécoise. Finalement, je me suis trouvé là tous les jours. Jeudi, ouverture des Sommets et vernissage de mon installation vidéo «Seule la main…» ; vendredi, mise en place de la soirée de performances et performances le soir ; samedi, lancement du coffret DVD de Jacques Drouin ; dimanche, projection de «11 in motion» et exposé de Claude Cloutier. De façon générale, il y avait une belle atmosphère de festival, agréablement survoltée, dont, j’imagine, on aura la nostalgie lorsque la manifestation aura grossie et, dans quelques années, sera devenue un «vrai festival». La programmation était vivante, très ouverte, imaginative, et pleine de surprise. Quant à moi, cela m’a un peu réconcilié avec le monde de l’animation. Il m’a semblé qu’il y a une nouvelle génération de créateur, une nouvelle abondance d’œuvre, une nouvelle liberté qui dépasse ce qui m’irritait depuis des années dans cet univers que je jugeais trop fermé sur lui-même et où je n’imaginais pas avoir ma place, …où également la vulgarité occupait trop de place. Mon diagnostique sévère m’apparaît aujourd’hui un peu hors contexte. À valider.

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Cet événement a pour moi une importance particulière du fait que Karl Lemieux fonde ses performances essentiellement sur le film 16mm. Il procède par manipulation en direct de film 16 mm dans une batterie de trois projecteurs projetant sur un même écran. Cela inclus des interventions peintes sur la pellicule, des méthodes de défilement non orthodoxe du film et des destructions de film par brûlure dans le faisceau lumineux. Il semble donc assez naturel de projeter de la gravure sur pellicule en direct en superposition avec les images de Karl sur le même écran.

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Le premier tour de piste est terminé pour Triptyque. Il a été projeté au Festival du nouveau cinéma de Montréal. J’ai eu la satisfaction de le voir projeté en HD, mais il y a eu très peu de spectateurs, 7 ou 8 la première fois et 16 la deuxième. C’est certainement décevant mais cela ne change pas grand chose au destin du film. Des amis proches l’ont vu, ce qui n’est pas rien mais je n’ai pas eu l’expérience du choc avec un public anonyme aucunement préparé à mon style de travail. J’aurais aimé voir comment la radicalité du film aurait été reçue. Mais ça sera pour une autre fois, peut-être aux Rendez-vous du cinéma québécois. Le film est maintenant distribué par Le Vidéographe et poursuivra son chemin.

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Du 16 septembre au 4 octobre, voyage à Paris, Perugia, Rome, Bologne et Meldola (Forli) pour une série de performances. Le workshop et la nouvelle création «Living Cinema» avec Bob, à Perugia est le centre du voyage. Des performances en solo, se sont ajoutées à Paris, Rome et Meldola. Elle sont importantes pour l’installation vidéo «Seule la main…» à la Cinémathèque québécoise pour laquelle j’ai maintenant besoin de 12 versions en autant de langues différentes.

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