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Aujourd’hui je quitte Banja Luka pour Berlin. C’est un petit festival, jeune, avec peu de ressources (c’est un coin de l’Europe qui n’est pas particulièrement riche), mais comme souvent dans ces cas là, la bonne volonté et la gentillesse dominent, ce qui est inestimable. Les rapports avec les collègues du jury ont été harmonieux et amicaux. Bien qu’il ait fait plutôt mauvais temps, ce fut une semaine très agréable. Merci à Goran, Dagrana et tous les autres !
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C’est une nouvelle pièce en développement. Elle a un double point de départ.
Premièrement, cela se situe dans la continuité de travaux d’ateliers et de performances, intitulés «Exercices d’animation», que j’ai commencés en 2009 (qui ont fait l’objet de plusieurs présentations publiques et ont donné le film «Triptyque»). Ce nouveau travail conserve le même réglage de mon logiciel de performance et permet le même style d’improvisation duquel résulte une approche non linéaire de l’animation. La performance est basée sur une structure de courts cycles imbriqués les uns dans les autres, au sein desquels des images sont enregistrées pour un court instant et sont rapidement effacées pour être constamment remplacées par de nouveaux dessins. Ces dessins sont faits davantage en fonction du processus combinatoire en cours qu’en fonction d’un quelconque développement linéaire, comme c’est habituellement le cas en animation. Trois boucles de longueurs différentes sont superposées et chacune d’elles est altérée par des changements de vitesse, de dimension, de direction des mouvements animés ainsi que d’ordre des images, le tout étant manipulé en temps réel parallèlement à la création des images. Il en résulte une expérience du «temps» très particulière, à la fois statique et vertigineuse.
Je ne sais pas si un jour je me déciderai de faire un film dans lequel il n’y ait pas au moins quelques petites interventions animées sur les images de prise de vues réelles, mais dans le cas de Praha-Florenc, je n’ai pas pu résister. J’imagine qu’à un certain niveau c’est pour moi une question d’identité. Ce qui ne veut pas dire que Praha-Florenc se qualifiera comme «film d’animation» dans les festivals spécialisés. Rien de moins sûr.
Les interventions sont assez circonscrites à certaines sections bien précises du film mais elles jouent un rôle assez important au moment du climax du film en ce sens qu’elles ont permis de faire émerger «le sens» du film de façon un peu plus nette. Pour la première fois, j’ai travaillé de façon complètement numérique en utilisant une tablette Cintiq qui m’a permis de contourner la difficulté que j’avais à dessiner sans voir le dessin en cours et ma main du même regard. Devoir regarder le dessin sur l’écran d’ordinateur sans voir ma main (comme cela se produit avec une tablette Wacom normale) brisais ma coordination et me mettais dans une situation que je trouvais trop abstraite. L’expérience a été concluante et je vais poursuivre un nouveau travail avec les mêmes outils.
Praha Florenc, première phase.
Le 21 juin j’ai commencé à travailler sur mon nouveau film «Praha-Florenc», qui sera donc le premier d’une série de films sur des lieux à travers le monde et qui mènera peut-être à un long métrage regroupant une dizaine de telles capsules faites à partir de tournages dans différentes parties du monde. É date je dispose, outre le tournage fait à Prague en mai dernier, de trois autres éléments, un tournage fait le 16 novembre 2003 au temple Senjo Ji, dans le quartier Asakusa à Tokyo, un tournage fait à Faro au Portugal, entre le7 et le 9 décembre 2005, du passage de chemin de fer à niveau qui barre l’entrée du port, et finalement, un tournage d’une cour d’école à Buenos Aires, vue en plongée à partir de ma chambre d’hôtel , fait le 9 avril 2008. Tous ces éléments sont pour l’instant restés intouchés car je ne savais pas encore tout à fait de quelle façon les aborder. Sauf pour le tournage de Tokyo qui s’est produit de façon assez inattendue et qui est en mouvement (une sorte de promenade à travers le temple et le marché attenant), tous ces tournages sont des cadrages fixes.
Il y a longtemps que je n’ai pas écrit ici. Je fais donc brièvement de point sur les presque quatre mois qui se sont écoulés depuis la dernière entrée.
Il faut dire que la période a été marquée par une grande indécision quant à ce à quoi je devrais consacrer mes énergies, plus particulièrement quel film je devrais faire. É ne pas me décider ainsi, j’ai raté les échéances pour les demandes de bourse de production au Conseil des arts et au Conseil des arts et des lettres du Québec. J’ai ainsi repoussé à plus tard l’idée de faire un film avec les images tournées à Mingan l’été dernier (ce qui aurait permis de donner une sorte de suite à Herqueville dans la perspective d’une éventuelle trilogie sur les rapports paysage et soif d’énergie). J’ai également hésité quant à la possibilité de travailler à partir des images que j’ai tournées au Japon, à Faro (Portugal) et à Buenos Aires (sur le thème des «lieux» qui reste toujours une piste ouverte pour moi). Pourtant je n’ai pas d’engagement pour des performances avant le mois d’octobre prochain, ce qui me donne une période de temps continue pour me concentrer sur un nouveau film et ainsi avoir quelque chose de prêt pour le Festival du nouveau cinéma. Mais j’ai laissé le temps filer. Le fait est, et peut-être est-ce une question d’âge, que je sens la nécessité de m’engager dans quelque chose qui m’apparaisse suffisamment «important». Comment juger de cela ?
Je n’arrive pas à m’écarter de l’esprit l’idée que j’ai réalisé cet accompagnement vidéo du spectacle de Chloé Sainte-Marie comme si c’était un film, un authentique film allusif de 100 minutes. Ce qui recoupe mon obsession de la dernière année à savoir de prétendre que je fais plus que jamais du cinéma bien que mon travail se développe dans la marge, totalement à l’écart des cadres du «cinéma» au sens classique du terme. C’était le cas avec les performances Exercices d’animation, avec l’installation et l’ensemble du projet Seule la main. Toute ces entreprises tentent de répondre au problème de comment maintenir le «cinéma» comme idée centrale dans le radicalement multiple, dans une constellation fragmentée d’images. … Read More
This week I had a very troubling experience when I tried to put on line, in my YouTube account, an extract of my film Triptych. The soundtrack of the film was scanned by a digital robot which surprisingly found a correspondence between a segment of Bob Ostertag’s music and an unidentified song owned by WMG (Warner Music Group). It happens that I am absolutely sure that Bob Ostertag is the genuine author of the music of my film and I have the proof that he authorized me to use that music on my film. I also know that Bob Ostertag’s music in general and this piece in particular («DJ of the Month», one of the most extreme musical project that I know of, it can be downloaded for free from Bob Ostertag’s site – http://bobostertag.com/music-recordings.htm) has nothing to do with the kind of music produced by the Warner Music Group. It is quite surrealistic to even imagine that there would be a relationship. But a robot decided on the matter and the clip was blocked for the entire world. Fortunately, it seems that the ban is not entirely working as some people succeeded to view the clip.
Je viens tout juste de terminer le travail de vidéo et d’animation pour le spectacle Nitshisseniten E Tshissenitamin (Je sais que tu sais) de Chloé Sainte-Marie, après plus d’un mois de travail intense (12 à 14 heures par jour). La première Montréalaise a eu lieu la semaine dernière au Théâtre du Gesu (deux représentations, mercredi et vendredi) et a reçu un accueil enthousiaste du public et de la critique. Mais hier je travaillais encore à modifier les DVD’s en vue de la première à Québec demain soir. Je suis content et épuisé de ce travail (ces jours-ci l’ombre de la grippe plane sur moi). Ce fut une aventure profondément intéressante, entre autres parce qu’elle s’est déroulée de façon aussi concentrée, ce qui dans l’absolu apparaissait comme un problème et qui n’a pas manqué de tout de même poser quelques problèmes. Mais tout est bien qui finit bien.
8ième Sommets du cinéma d’animation à la Cinémathèque québécoise. Finalement, je me suis trouvé là tous les jours. Jeudi, ouverture des Sommets et vernissage de mon installation vidéo «Seule la main…» ; vendredi, mise en place de la soirée de performances et performances le soir ; samedi, lancement du coffret DVD de Jacques Drouin ; dimanche, projection de «11 in motion» et exposé de Claude Cloutier. De façon générale, il y avait une belle atmosphère de festival, agréablement survoltée, dont, j’imagine, on aura la nostalgie lorsque la manifestation aura grossie et, dans quelques années, sera devenue un «vrai festival». La programmation était vivante, très ouverte, imaginative, et pleine de surprise. Quant à moi, cela m’a un peu réconcilié avec le monde de l’animation. Il m’a semblé qu’il y a une nouvelle génération de créateur, une nouvelle abondance d’Éuvre, une nouvelle liberté qui dépasse ce qui m’irritait depuis des années dans cet univers que je jugeais trop fermé sur lui-même et où je n’imaginais pas avoir ma place, …où également la vulgarité occupait trop de place. Mon diagnostique sévère m’apparaît aujourd’hui un peu hors contexte. À valider.
Cet événement a pour moi une importance particulière du fait que Karl Lemieux fonde ses performances essentiellement sur le film 16mm. Il procède par manipulation en direct de film 16 mm dans une batterie de trois projecteurs projetant sur un même écran. Cela inclus des interventions peintes sur la pellicule, des méthodes de défilement non orthodoxe du film et des destructions de film par brûlure dans le faisceau lumineux. Il semble donc assez naturel de projeter de la gravure sur pellicule en direct en superposition avec les images de Karl sur le même écran.